向前 向後 轉個圈

轉錄自準建築人手札
Hadid、Ando、Nouvel、Gehry 四位明星建築師（史稱 H.A.N.G. 吊掛四人組）被阿拉伯人邀請到阿布達比大展身手，阿拉伯人跟中國人一樣，這幾年開始瘋狂地投入建設，名牌建築師出手自然會讓人看到閃閃發光的名牌，有錢的阿拉伯人食衣住行通通都要名牌，富有與名牌結合在一起早就是種流行。
作為阿拉伯聯合大公國的首都，自然得有超凡入聖的都市規劃願景，於是在2004年時，阿布達比旅遊局（ Abu Dhabi Tourism Authority，簡稱 ADTA) 委託美國超賺建築師事務所 Gensler 進行了 Saadiyat Island (Island of Happiness，也就是快樂島)的整體規劃，打算將面積27平方公里的快樂島打造成世界級的旅遊勝地，當中的精華地區由另一家美國很會賺建築師事務所 SOM 規劃成為文化園區，而島上的其他建設案將會於 2018 年以前採競圖方式邀請世界各地建築師來比畫比畫，看看誰會比較幸福快樂，包括二十九間飯店、碼頭、公眾休閒設施、高爾夫球場、十五萬人使用的集合住宅等，光靠想像就足以讓一堆沒有業務的窮苦建築師們流了滿地的口水。
2007年1月31日，阿布達比旅遊發展暨投資公司(Abu Dhabi Tourism Development & Investment Company，簡稱 TDIC) 宣布了快樂島的文化園區發展計畫，文化園區內案子多到作不完，找了四位眾所周知的建築師包括 Zaha Hadid 來設計表演藝術中心、Tadao Ando(安藤忠雄)弄了座海事博物館、Jean Nouvel設計古典博物館(羅浮宮阿布達比分館)、而 Frank O. Gehry 設計古根漢美術館阿布達比分館。
其他入選至島上留下歡樂痕跡的建築師包括阿拉伯本地的Khalid Al Najjar 及[dxb]LAB、俄羅斯的 Yuri Avvakumov、美國的 Greg Lynn 大叔及 Hani Rashid ]Hani Rashid(asymptote) 小叔、英國的 David Adjaye (UK)、南韓的承孝相(Seung H-Sang & IROJE)、中國大陸的朱培 (Studio Pei-Zhu)等人。
↗ 阿布達比快樂島模型
Zaha Hadid: 表演藝術中心(Performing Arts Centre)
對於有機系統及大自然生成的研究成為此表演藝術中心設計概念的框架，啟發自大自然的腳本以滿載的能量供應設計案的內在系統，殖生發展的結構體用來演繹能量消減的結果。
因此在建築量體上，可見的是從都市尺度觀察到的步行動線及海濱行人通道為此基地注入的能量所演變而成的形式呈現，Hadid 阿姨所善用的樹狀結構演算及生長模擬進程則將空間演進成數組基本的幾何型態，並且與所需機能套疊，主要的元素採用生物類比的方式（幹、梗、果、葉）接續且順暢地由抽象的圖形成為建築構造的設計。
高達62米的表演藝術中心內有五個演出空間，演奏廳居高臨下，讓晝光得以進入其廳內空間，來自海的色澤及都市的天際線透過舞台後方的大面開窗震撼觀眾的視覺，另外在靠南邊的實驗劇場頂部則設立了一所表演藝術學院，結合劇場及教育的功能於一體。
↗ Zaha Hadid所設計之表演藝術中心 01
↗ Zaha Hadid所設計之表演藝術中心 02
↗ Zaha Hadid所設計之表演藝術中心 03
↗ Zaha Hadid所設計之表演藝術中心 04
安藤忠雄(Tadao Ando) : 海事博物館(Maritime Museum)
安藤忠雄設計了海事博物館，靈感來自於阿布達比的自然風景、地形地貌以及阿拉伯豐富的航海傳統，建築物可反光的表面融合了海水與陸地的視覺感受，宛如船隻構造的內部空間設有漂浮的甲板引導來訪的遊客進入其展覽區域。
「阿拉伯傳統的三角帆船在內部空間當中漂浮著，讓空間中各個物件彼此關連，最後結合至建築物形成整體感，創造一種緊密的視覺經驗」安藤忠雄解釋，「在地面層底下是第二個空間作為接待大廳，並且設有一座龐大的水族館，阿拉伯帆船會從水族館上頭漂浮而過，為觀者帶來截然不同的視野。」
為了強調海事博物館簡單而強烈的線條，建物周遭地景以格狀處理，成行成列的樹木種植於基地前方，營造出綠洲般的邊界氛圍，引領訪客由動態的城市生活逐漸過渡到海事博物館寧靜且引人深思的空間。
↗ 安藤忠雄(Tadao Ando)所設計之海事博物館 Maritime Museum 01
↗ 安藤忠雄(Tadao Ando)所設計之海事博物館 Maritime Museum 02
Jean Nouvel : 羅浮宮阿布達比分館 - 古典博物館(Classical Museum)
Jean Nouvel 對於古典博物館設計理念大多取材於快樂島當地的自然環境，「島上的地形粗糙，而水道的經過使得整體的粗劣感有所緩和。這幅畫面製造出鮮明的對比，一面是土地表現的枯燥，另一面是水流帶來的酣暢。」Nouvel說，「這就引發了我關於某個未知城市深埋於沙中或沉沒水底的遐想。夢幻般的想法催生了一個簡單的建築設計，將田野間考古作業的場域改造為一座微型城市，這裡聚集的幾乎都是平房，還有一條休閒散佈的街道。」
「微型城市需要微型的氛圍，才能讓遊客產生如同置身新世界般的感覺。整個建築冠以巨大穹頂，這是所有文明社會共有的特徵。將穹頂上的天花板上織入不同圖案，酷似一張透明的網，夢幻的光瀰散在室內，繼承了阿拉伯建築傳統的精華之處。設計中，水肩負了重要使命，如通靈般映射建築的每個角落，或是借助一點點風力，營造舒心的微型氛圍。」
↗ Jean Nouvel 所設計之古典美術館(Classical Museum , 羅浮宮分館）01
↗ Jean Nouvel 所設計之古典美術館(Classical Museum , 羅浮宮分館）02
↗ Jean Nouvel 所設計之古典美術館(Classical Museum , 羅浮宮分館）03
Frank O. Gehery : 古根漢阿布達比分館 (Guggenheim Museum in Adu Dhabi)
由 Frank O. Gehry 所設計的古根漢阿布達比分館，面積合計 320,000平方英尺(約 29,700 平方米)，將會成為世界最大的古根漢美術館，擁有近130,000平方英尺的展示空間。其功能包括永久性典藏、特殊展示長廊、藝術及科技中心、兒童藝術教育設施、檔案、圖書及研究中心和一座高級保存實驗室。
「在設計古根漢阿布達比分館時，我把在美國和歐洲絕對行不通的設計拿來嘗試，」Gehry 興奮地說：「設計之初我就意識到，這是件全新的創作，以現有資源構造一個面向全世界的建築，考慮地形和時機因素，拓寬選擇的途徑，在其他地方不會列入考慮範圍的方案，在這裡也許適合。基地選在海邊或者附近有水環繞的地點，沙漠的起伏、燦爛的大海、充足的陽光，都引導著設計思考的方向。」
在 Gehry 的設計中，四層樓高的展廳圍繞著中心廣場排列展開，「展廳將超越傳統的當代藝術藝廊型態，這裡有整套空調設備、一流的照明系統，也有隨處可見的天窗引入晝光」Gehry 解釋說。
另有兩個環型廊道展廳由中心部分延伸出來，第三個環型廊道上都是大型展廳，照明和其他系統都暴露在外，呈現一種未完工的質感，裝潢簡單、樸素，讓新一代的當代藝術在此能夠凸顯其特色，在如此環境中或許有些藝術靈感會迸然萌發，換作一般的美術館，這種感覺也許很難在空間中尋覓。
↗ Frank O. Gehry 所設計之古根漢美術館阿布達比分館 Guggenheim Abu Dhabi 01
↗ Frank O. Gehry 所設計之古根漢美術館阿布達比分館 Guggenheim Abu Dhabi 02
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::阿布達比旅遊發展暨投資公司(Abu Dhabi Tourism Development & Investment Company，簡稱 TDIC) ::
::Zaha Hadid ::
::Jean Nouvel::
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::Hani Rashid ]Hani Rashid(asymptote)::
::David Adjaye::
::承孝相(Seung H-Sang & IROJE)
::朱培 (Studio Pei-Zhu)::

作者：徐岩奇建築師
這篇文章本是為李承寬先生出書 而寫的，由於出書耽擱，一直沒有對外發表，寫於李先生生前；記錄了李先生與中原建築系的關係，及對我等輩的影響。看到趙力行當時類似背景下的文章刊登，網 路上興起討論李先生的熱潮，於是投稿這篇來不及發表的文章，向老師致敬；李先生於2003/09/14過世於柏林家中。
2001 年3月18日早上和趙力行驅車前往日月潭邵族部落，見到李承寬教授的第一眼，我熱淚盈框。再見到李教授時，他坐在輪椅上，需要人的攙扶，他明顯老了。瞬 間，過去10年求學，就業，再到國外進修，回到台灣開事務所，發生的事，很快在腦海中一幕幕的閃掠而過。李承寬教授是我建築生命中關鍵的影響者。
記憶回到10多年前，他從東海來到中原建築系。(很多人只知道李教授在東海待過，不知他曾經也到過中原。)他鄉音很重，常見李教授在評圖場上，試著傳遞著一些似乎重要的訊息，沒太多人專心聽他講話，他不像有帶領流行能力的老師般受歡迎，倒有點像貌不驚人的傳道者。
我 之所以會認識李教授，是因為我大四設計課的老師Dr. Arin，他來自德國，在中原建築系待了五年，我至今仍然懷念著這位人口中脾氣不好的老師。他在設計課程中傳授有機建築設計實務，一提到有機建築，便口不 離Hans Scharoun和Hugo Haring。有個現象是他常批評台灣的建築教育或建築，因此他很容易得罪人，但十分推崇李承寬教授，常告訴我們這群學生「你們要去認識李承寬和他的作 品」。高傲的德國教授推崇一位中國建築師，是有點不尋常，當時的我並無法了解真正的原因，留在我心中的是對有機建築世界裡很多無法解答的問號。

從東京開始的都市建築冒險
建築物上有電車或道路穿梭、高速公路蜿蜒地跨在河川上空、車子可以開上直達大樓六樓屋頂的斜坡、住宅區中的高爾夫球練習場看起來就像個大籠子一樣……這些寡廉鮮恥的用途組合及空間構成，憑藉現代建築技術而出現在都市裡。可容許這種狀態存在的東京，到底是個什麼樣的城市？
若 以從事建築設計的價值觀為準，這個都市在人們眼前的映象只是充斥著該被唾棄的毫無價值的建築物。如果身邊淨是慘不忍睹的都市風景，那奉建築名作為圭臬只不 過變成展示自己的興趣品味、擴張對漂亮照片的無謂憧憬而已。這樣下去連建築設計也立刻成為索然無味的無聊玩意兒罷了，讓人不禁悲觀地對未來失去信心。
但 東京已經完全被上述所謂無價值的建築物所佔據了，也許我們不該逃避現實，而是思考如何將它們變成優點才對。若不能將己身周遭化為豐富的資源，就失去特地留 在東京的意義了。作者意識到這種想法，開始思考如何化前述的不協調感為可用。若整理前述寡廉鮮恥的建築物，將常被形容為渾沌、混亂的都市現狀以報導形式來 嘗試認同它們不也很好嗎？
東京都市這些並非建築上的構成美學或形式，而是以憨直地對應周遭環境與內容為優先目標的建物，作者以夾雜愛與輕 蔑的感情稱它們為「濫建築」。而從透過建物的形式來觀察東京的現實這點來說，濫建築或許比任何建築家的作品都好。不論那個都市都會有獨特建築物反映出它們 所選擇的都市狀況或價值觀，與其說這類建物是被東京說明，還不如說藉由這些濫建築說明了東京是一個怎麼樣的地方。故若不集合這類建物並將之連結在一起的 話，將無法浮現出東京都市空間的特質，並找出身處之地究竟蘊含著怎麼樣的潛力。

一天下午，我準備翻過圍牆逃離教室，
卻忽然懷念起同學，懷念教室的氛圍。
我是這麼熱切的想離開，又那麼真摯的想回去。
此時此地，流浪的狀態才真正的開始。
「往回看比往前看有更多的線索！」

總面積約 7,000 平方米的加利西亞當代美術館(Galicia Museum of Contemporary Art)位於加利西亞自治區的聖地亞哥市(Santiago de Compostela)，基地位置就在一座十七世紀修道院中心旁的三角形地帶，外牆石材採用了當地常見的花崗石，建築師西薩(Alvaro Siza)希望這座建築物能以一種現代但適當的方式與旁邊古老的建築和諧共存。
Alvaro Siza 坦言「我無法說出確切的理由，不過我確信建築看起來完全融入了周圍的城市景觀裡」。
↗ 加利西亞當代美術館(Galicia Museum of Contemporary Art)外觀
↗ 加利西亞當代美術館(Galicia Museum of Contemporary Art)外觀

ZAHA的ideal house簡直臭屁到不行啊...
為什麼我不能去看....T^T
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由 德國 Koelnmesse GmbH 所主辦的 imm cologne - 國際家具展 從1949年首次舉辦以來，已發展成為目前世界上最大的國際家具博覽會，每年有來自全球各地的生產廠家，分別在十一個展館，約二十九萬平方米的面積上展示 家具精品，展示家具發展的最新動向，imm cologne 於每年年初舉辦，是世界室內設計與家具工業的指標性展覽之一，各大品牌利用 imm cologne 舞台發表年度新品。
主辦單位同時會邀請設計領域中的當紅炸子雞設計「理想住屋(ideal house)」，用以宣告預告當下世界設計思潮反映至住宅設計的流行趨勢，可說是在主展濃厚的商業味道外的一股文化氣息，過去受邀的設計師包括 Karim Rashid(New York)、Konstantin Grcic(Munich)、Fernando & Humberto Campana 兄弟檔(Sao Paolo)、 Ronan & Erwan Bouroullec 兄弟檔(Paris)、Hella Jongerius(Rotterdam)及Patricia Urquiola(Milan)等人，今年的「ideal house cologne 2007」則邀請到越來越胖的英國女建築師 Zaha Hadid 與日本設計師-深澤直人(Naoto Fukasawa ) 。

喔～天啊～我想要那個桌曆啦～！！！
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義大利設計師Enzo Mari 操刀替Magis 設計的椅子「Mariolina Chair」，椅面靠背乃塑膠構成，椅腳及結構則是金屬製，線條簡單比例恰到好處，雖然不是什麼曠世鉅作，但還是看得出那份系出名門的優雅俊秀，也難怪除 了Magis 外，連無印良品也採用了同款設計。
留著如修士般大鬍子，鏡頭前似乎永遠若有所思的 Enzo Mari，1932年生於義大利古城Novara，沒有任何建築設計或藝術繪畫背景的Mari，求學時唸的其實是古典文學，與其說他是設計師，不如說他將 設計視為心智活動的延伸，並以設計為素材藉以體現文化意涵與社會意義的思想家。
一 般設計師在行使創意的時候，慣常會先從最拿手的地方入手，例如形式質材，半路出師的 Enzo Mari 沒有這些限制，所以可以用更開闊的角度去面對各種的可能性；Mari曾言，他年輕時常會躺在西斯汀教堂的地板上仰望米開朗基羅的壁畫，對他而言，設計應該 言之有物，而非只是一時快感愉悅的呈現，或許是古典文學背景給他的影響，Mari如同文藝復興時期的藝術家，對於設計，認為應該有一個更高的標準等著去完 成，設計師必須不斷去追尋更深層、更本質的永恆價值，而不只是一味地跟隨市場的潮流。

亞洲知名的日本JCD 商用環境國際設計大獎於十二月初公布得獎名單，台灣建築師抱走的六個銅牌獎中，龔書章獨得三個。獲獎的三個作品統統不是正規的永久建築，全是房地產商用來銷售房屋的接待中心，也就是的「樣品屋」。
龔書章曾獲遠東建築獎，他是兩年前開始嘗試做「樣品屋」，第一個作品是台北信義區的慕夏四季接待中心，一推出就大獲好評。兩年來，他在台北、台中做了近20個樣品屋。其中植心園、慕夏四季獲得JCD 銅牌獎，新世界接待中心則獲得JCD 設計獎與深圳國際品牌設計大獎銀牌獎。

我有去看過這個展了，很有意思，
因為展的內容很單純大家還是要自己去看比較有意思，反正免費嘛～
不過進去了就會想花錢...囧
所以我就不多說啦～:D
這兩天會把照片上傳滴～

發表者 forgemind.news 於 2006-11-30 19:31:55 (2566 人氣) 展覽日期：2006年11月18日～2007年01月14日
主辦單位：行政院文化建設委員會、威察設計博物館 Vitra Design Museum
展覽地點：TADA Center(台灣建築．設計與藝術展演中心) B11國際展演館
展覽地址：台中市南區復興路三段362號
聯絡電話：(04)2229-5848
在1940 年代晚期與1950年代期間，國際設計界由北歐及美國的設計師共領風騷，主宰了當時生活風格的樣貌；出生於1926年的丹麥建設師暨設計師維諾潘頓 （Verner Panton，1926-1998），也是在這段期間完成自我訓練，開始了專業的設計生涯。所提出的概念、所使用的顏色、以及開發嶄新材質，不管在昔時或 是當代，都是那麼富有想像力量！
如同其他傑出丹麥設計家，潘頓也是建築背景出身，與丹麥另一設計名家韋納（Hans J. Wegner）一樣，也曾經在雅可森事務所任職，協助開發螞蟻兵團等椅具；後來他在1955年獨立創業後，風格開始轉變為大膽、炫目，不斷向當時家居設計 的極限推進，不論傢俱、燈飾、織品等設計，一手做來，以鮮明風格闖出名號。
我們看著他所設計的幾款經典椅具，實在很難不隨之亢奮起來。高彩度的配色，給人視覺上的驚喜；而滿溢瘋狂奇想的造型，充滿了60年代獨有的樂觀精神。
交 由Plus-Linje公司生產的「孔雀椅」（Peacock Chair，1960），光聽名字，就可以想像得到其色彩的炫麗；另外還有常常在設計旅店出現的圓錐椅（Cone Chair，1958 Plus-Linfe / 1994 Polythema）；以及將艷紅「愛心」融入椅具線條的心形椅（Heart Chair，1959）。落坐其中，趣味十足。

↗ TADA Center 之維諾．潘頓(Verner Panton)作品回顧展 展場一隅廣景(click to see larger image)
而 他最著名的作品，恐怕就是以他名字命名的Panton Chair。他從原始的S椅概念設計中，找到了合適的聚酯材質以及技術，製作成全球發燒的Panton Chair(1959-1960)，成為第一把以單一材質射出成形的椅具。1990年德國傢俱大廠 Vitra 再次改進材質，增強其抗刮損能力，重新發行復刻版，讓這款可以堆疊收藏Signature Chair再度走紅。
當時丹麥境內的設計由於 材質與生產方式的關係，仍以手工藝傳統為主要特色，反觀美國從二次世界大戰後的工業革命，各種新材質的開發與生產技術的突破，使美國的首席設計師們特意採 用新開發的材質，並運用一貫的工業生產技術。 維諾‧潘頓在這樣的氛圍中清楚定位了自己的角色，推出首次成批生產的設計作品。他做這樣的抉擇是希望能設計出平價、優質的產品，好讓大多數的人都能負擔得 起，這也是潘頓終其一生努力的目標。
與其他著名丹麥設計大師所不同的是，凡納．潘頓特別敢於提出設計概念的革命，而非只在丹麥原有的工藝 傳統上追求改良，他在1968年至1969年間所設計出的作品Pantower，與其說它是傢俱，還不如說更像「玩具」。他把雕塑立體觀念注入其中，將大 型組變成遊戲的場所，可站、可坐、可躺、可臥、可爬……他將椅具所創造的微型環境（micro environment）拿來做實驗，大玩抽象概念。
凡 納．潘頓不但很能玩傢俱設計，他所創作燈具也非常富於奇想。交由Louis Poulsen 公司生產的「月球吊燈」(Moon Pendant，1960)，能夠旋轉燈具的扇葉，調整光線的明暗，就如同月亮的陰晴圓缺一般；而另一個經典作品「花盆」(Flower Pot，1969)桌－吊燈也成了經典之作；鮮亮的色彩、圓滑的造型，創造出鮮明的室內風景。
我們很難知道凡納．潘頓私底下真實的個性， 但是他的作品總帶有一種遊戲、俏皮的特質；除了大量利用壓克力、聚酯等可以任意彎曲的材質之外，他的燈具造型多變，讓人大開眼界。有的時候它們像幽浮、有 時又像風鈴，另外你還可以在他的設計裡，看到月亮、魔術方塊、沙漏、菇蕈、金字培、保齡球瓶，甚至奶嘴的影子在造型裡頭，成為充滿活力的幽默設計。
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::TADA Center 台灣藝術‧設計與建築展演中心::
::維諾潘頓台灣首展國際研討會::
::Vitra Design Museum::
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01.TADA Center B11 國際展演館入口外觀：
02.TADA Center B11 國際展演館入口，牆上是 Verner Panton 的簡介：
↗ 入口處僅有簡陋的影印傳單提供說明
↗ 提供展品來台展出的 Vitra Design Museum 看到這種品質，肯定很難過吧！
03.Panton Chair(1959-1960)，第一把以單一材質射出成形的椅具，1990年德國傢俱大廠 Vitra 再次改進材質，增強其抗刮損能力，重新發行復刻版：
↗ 各種色彩的 Panton Chair
↗ Panton Chair 與女性衣著、肢體的結合，性感哪！
04.系統家具，標準化的系統式家具，包括了少數幾個模組，是戰後發展的產品，它代表了平價生產，可以隨個人喜好和消費能力，提供許多不同組合：
↗ 從他1967年為 Kaufhof 公司設計的產品，可以組合整個室內地景的標準化家具系統，更清晰可證，1970年代生產的「潘頓星光」和「1-2-3」系列，也是基於一種模型產生多種便化的產品
05.家具
↗ 最左邊是 Wire Cone Chair
↗ 最右邊即是由 Plus-Linje 公司所生產的「孔雀椅」（Peacock Chair，1960），有如一隻在黑暗中綻放的孔雀
06.照明
07.行動式家具，潘頓在家具底部加上腳輪以因應讓客廳更具彈性的需求，1963年為 Storz & Palmer 設計的優雅扶手椅、凳子和躺椅可以在屋內輕鬆地移動：
↗ 為 Wega 設計的音響系統
↗ 家裡不妨擺一組 Storz & Palmer 扶手椅，躺下前打開「吧台男孩」(Bar Boy)拿出裡頭放的點心與飲料，邊吃邊喝邊聽 Wega 音響流洩而出的樂音
08.飛行椅與鏡面雕
↗ 展場內
↗ 躺在飛行椅上好像真的可以飛起來
↗ 號稱五星、六星、七星級的汽車旅館應該採買飛行椅，讓情侶在房間裡飛來飛去才對
09.「幻想地景」（Phantasy Landscape），1970年作品，「幻想地景」是潘頓為拜爾（Bayer）公司在科隆博覽會中所設計的展覽 Visiona II 的作品：
↗ 「幻想地景」（Phantasy Landscape），請脫鞋入內
↗ 「幻想地景」（Phantasy Landscape)另一側
↗ 空間色彩鮮明、狀似放大的子宮，可以讓人在其中或坐、或站、或躺、或趴、或臥、或爬，體驗一種強烈的流動性與整體感
↗ 「幻想地景」大膽地打破了傳統的建築元素與室內家具的界限
↗ 從外側可以看到「幻想地景」（Phantasy Landscape)組成的顏色
10.色彩、圖案和系統，「顏色比造型扮演更重要的角色」，色彩顯然是潘頓最重要的設計工具，從他的織品設計最能印證此一說法：
↗ 潘頓手稿
↗ 1969年，潘頓發展一套系統式的結構化作品，構想源自於光譜中的八個顏色，五個是幾何造型的設計（圓圈、方形、線條、弧形、方塊），兩種布料（棉絨布和印花棉布）以及三種重複的尺寸
↗ 1969年潘頓所發展系統背後的概念在1970年代不斷擴展，目的是創造家用織品（家具用布料及地毯）可以混搭的多重效果，形成其織品設計的創作元素亦重現於其他創作材料上，如瓷釉及壁紙等
11.展場其他部分
↗ 潘頓手稿
↗ 反光窺視燈 壁面與天花板照明構件，1971年
Louis Poulsen, DK 丹麥路易鮑森燈飾公司
Collection Vitra Design Museum 威察設計博物館收藏